I primi strumenti musicali conosciuti erano flauti d'osso trovati 35.000 anni fa, anche se l'uomo potrebbe aver cantato molto prima. Nel corso del tempo, si è sviluppata una comprensione di come vengono prodotti e organizzati i suoni musicali. Sebbene non sia necessario conoscere tutto su scale musicali, ritmi, melodie e armonie per fare musica, la comprensione di alcuni concetti ti aiuterà ad apprezzare e creare musica migliore.
Passi
Parte 1 di 4: suoni, note e scale
Passaggio 1. Comprendi la differenza tra "pitch" e "note
” Questi termini descrivono le qualità dei suoni musicali. Sebbene i termini siano correlati, vengono utilizzati in modo leggermente diverso.
- "Pitch" si riferisce alla sensazione di bassezza o altezza associata alla frequenza di un dato suono. Maggiore è la frequenza, maggiore è il tono. La differenza di frequenza tra due altezze qualsiasi è chiamata "intervallo".
- "Nota" si riferisce a un intervallo di altezze denominato. La frequenza standard per il La sopra il Do centrale è 440 hertz, ma alcune orchestre usano uno standard leggermente diverso, come 443 hertz, per produrre un suono più brillante.
- La maggior parte delle persone può determinare se una nota suona bene quando viene suonata contro un'altra nota o in parte di una serie di note in un brano musicale che riconoscono. Questo è chiamato "pitch relativo". Alcune persone possiedono "tono assoluto" o "tono perfetto", che è la capacità di identificare un dato tono senza sentire un tono di riferimento.
Passaggio 2. Comprendi la differenza tra "timbre" e "tone
” Questi termini sonori sono generalmente usati in relazione agli strumenti musicali.
- "Timbro" si riferisce alla combinazione di altezza primaria (fondamentale) e tonalità secondarie (overtones) che suonano ogni volta che uno strumento musicale suona una nota. Quando pizzichi la corda del mi basso su una chitarra acustica, in realtà senti non solo la nota del mi basso, ma anche toni aggiuntivi a frequenze che sono multipli della frequenza del mi basso. La combinazione di questi suoni, che sono anche chiamati collettivamente "armoniche", è ciò che rende uno strumento diverso da un altro tipo di strumento.
- "Tono" è un termine un po' più nebuloso. Si riferisce all'effetto che la combinazione di armoniche fondamentali e secondarie ha sull'orecchio dell'ascoltatore. L'aggiunta di armoniche più acute al timbro di una nota produce un tono più brillante o più acuto, mentre lo smorzamento produce un tono più morbido.
- "Tone" si riferisce anche a un intervallo tra due altezze, chiamato anche un intero passo. La metà di questo intervallo è chiamata "semitono" o semitono.
Passaggio 3. Assegna nomi alle note
Le note musicali possono essere nominate in diversi modi. Due metodi sono comunemente usati nella maggior parte del mondo occidentale.
- Nomi di lettere: alle note di determinate frequenze vengono assegnati nomi di lettere. Nei paesi di lingua inglese e olandese, le lettere vanno da A a G. Nei paesi di lingua tedesca, invece, "B" è usato per la nota B-flat (il tasto nero del pianoforte tra i tasti A e B), e un "H" è usato per rappresentare la nota B naturale (il tasto B bianco su un pianoforte).
- Solfeggio (chiamato anche "solfege" o "solfeo"): questo sistema, familiare ai fan di "The Sound of Music", assegna nomi di una sillaba alle note in base alle loro posizioni successive all'interno di una scala. Il sistema originale sviluppato dal monaco Guido d'Arezzo dell'XI secolo utilizzava "ut, re, mi, fa, sol, la, si", tratto dalle prime parole di un canto a San Giovanni Battista. Nel corso del tempo, "ut" è stato sostituito con "do", mentre alcuni accorciano "sol" in "so" e cantano "ti" invece di "si". (Alcune parti del mondo usano i nomi del solfeggio nello stesso modo in cui il mondo occidentale usa i nomi delle lettere.)
Passaggio 4. Organizza una serie di note in una scala
Una scala è una serie di intervalli successivi tra i toni in modo tale che il tono più alto sia al doppio della frequenza del tono più basso. Questa gamma è chiamata un'ottava. Queste sono alcune delle scale comuni:
- Una scala cromatica completa utilizza 12 intervalli di semitoni. Suonare un'ottava al pianoforte dal Do centrale al Do sopra il Do centrale, suonando tutti i tasti bianchi e neri intermedi, produce una scala cromatica. Altre scale sono forme più ristrette di questa scala.
- Una scala maggiore usa sette intervalli: il primo e il secondo sono passi interi; il terzo è un mezzo passo; il quarto, il quinto e il sesto sono passi interi; e il settimo è un mezzo passo. Suonare un'ottava al pianoforte dal Do centrale al Do sopra, suonando solo i tasti bianchi, è un esempio di scala maggiore.
- Una scala minore utilizza anche sette intervalli. La forma più comune è la scala minore naturale. Il suo primo intervallo è un tono intero, ma il secondo è un semitono, il terzo e il quarto sono toni interi, il quinto è un semitono e il sesto e il settimo sono toni interi. Suonare un'ottava al pianoforte da La sotto il Do centrale a La sopra il Do centrale, suonando solo i tasti bianchi, è un esempio di scala minore naturale.
- Una scala pentatonica utilizza cinque intervalli. Il primo intervallo è un tono intero, il successivo è di tre semitoni, il terzo e il quarto sono ciascuno un tono intero e il quinto è di tre semitoni. (Nella chiave di C, questo significa che le note usate sono C, D, F, G, A e C di nuovo.) Puoi anche suonare una scala pentatonica suonando solo i tasti neri tra C medio e C alto su un pianoforte. Le scale pentatoniche sono utilizzate nella musica africana, dell'Asia orientale e dei nativi americani, nonché nella musica popolare.
- Le scale maggiori sono più edificanti e felici, mentre le scale minori hanno un tono più scuro e serio.
- La nota più bassa della scala è chiamata "chiave". Di solito, le canzoni sono scritte in modo tale che l'ultima nota della canzone sia la nota chiave; una canzone scritta nella chiave di C termina quasi sempre sulla nota C. Un nome di chiave include tipicamente anche se la canzone è suonata sotto una scala maggiore o minore; quando la scala non è nominata, si intende la scala maggiore.
Passaggio 5. Utilizzare i diesis e i bemolle per aumentare e diminuire l'altezza delle note
Diesis e bemolle alzano e abbassano le altezze delle note di un semitono. Sono necessari quando si suonano chiavi diverse da Do maggiore o La minore per mantenere corretti gli schemi di intervallo per le scale maggiori e minori. Diesis e bemolle sono indicati nelle righe di musica scritta con simboli chiamati alterazioni.
- Un simbolo diesis, che ricorda l'hashtag (#), posto davanti a una nota ne aumenta l'altezza di un semitono. Nelle chiavi di sol maggiore e mi minore, il fa viene alzato di un mezzo tono per diventare fa diesis.
- Un simbolo bemolle, che assomiglia a una "b" minuscola appuntita, posto davanti a una nota, ne abbassa l'altezza di un semitono. Nelle chiavi di Fa maggiore e Re minore, il Si viene abbassato di un mezzo tono per diventare Si bemolle.
- Per comodità, le note che devono essere sempre diesis o bemolle in una data tonalità sono indicate all'inizio di ogni riga del rigo musicale in chiave. Le alterazioni devono quindi essere utilizzate solo per le note al di fuori della tonalità maggiore o minore in cui è scritta la canzone. Quando le alterazioni vengono utilizzate in questo modo, si applicano solo alle occorrenze di quella nota prima della linea verticale che separa le misure.
- Un simbolo naturale, che ha l'aspetto di un parallelogramma verticale con una linea verticale che si estende su e giù da due dei suoi vertici, viene utilizzato davanti a qualsiasi nota che altrimenti sarebbe diesis o bemolle per mostrare che non dovrebbe essere in quel punto nella canzone. I naturali non compaiono mai nelle armature di tonalità, ma un naturale può annullare l'effetto di un diesis o di un bemolle usato all'interno di una misura.
Parte 2 di 4: battiti e ritmi
Passaggio 1. Comprendere la differenza tra "beat", "rhythm" e "tempo
” Anche questi termini sono strettamente correlati.
- "Beat" si riferisce a un impulso individuale di musica. Un battito può essere una nota suonata o un periodo di silenzio chiamato pausa. Una battuta può anche essere divisa tra più note, oppure più battute possono essere assegnate a una singola nota o pausa.
- "Ritmo" si riferisce a una serie di battiti o impulsi. Il ritmo è determinato da come le note e le pause sono organizzate all'interno di una canzone.
- "Tempo" si riferisce a quanto velocemente o lentamente viene riprodotto un brano. Più veloce è il tempo, più battute vengono riprodotte al minuto. "The Blue Danube Waltz" ha un tempo lento, mentre "The Stars and Stripes Forever" ha un tempo più veloce.
Passaggio 2. Raggruppa i battiti in misure
Le misure sono gruppi di battute. Ogni misura ha lo stesso numero di battute. Il numero di battute di ciascuna misura è indicato nella musica scritta con un tempo in chiave, che sembra una frazione senza una linea che separa il numeratore e il denominatore.
- Il numero in alto indica il numero di battute per misura. Questo numero è solitamente un 2, 3 o 4, ma può arrivare fino a 6 o più.
- Il numero in basso indica quale tipo di nota ottiene un battito completo. Quando il numero in basso è un 4, una semiminima (sembra un ovale pieno con una linea attaccata) ottiene un battito completo. Quando il numero in basso è un 2, una mezza nota (sembra un ovale aperto con una linea attaccata) ottiene un battito completo. Quando il numero inferiore è un 8, una nota da un ottavo (sembra una semiminima con una bandierina attaccata) ottiene un battito completo.
Passaggio 3. Cerca il ritmo stressato
I ritmi sono determinati in base a quali battute della misura sono accentate (accentuate) e quali non lo sono (non accentate).
- Nella maggior parte dei brani musicali, il primo battito, o battere, è sottolineato. I tempi rimanenti, o levare, non sono accentati, sebbene in una misura di quattro tempi, il terzo tempo può essere accentato, ma in misura minore rispetto al battere. I battiti accentati sono talvolta chiamati anche battiti forti, mentre i battiti non accentati sono talvolta chiamati battiti deboli.
- Alcuni brani musicali sottolineano battiti diversi dal battere. Questo tipo di stress è noto come sincope e i battiti così accentuati sono chiamati back beat.
Parte 3 di 4: melodia, armonia e accordi
Passaggio 1. Definisci la canzone con la sua melodia
“Melodia” è una successione di note che la persona che ascolta identifica come un brano coerente, basato sulle altezze delle note e sul ritmo con cui vengono suonate.
- Le melodie sono composte da frasi, che sono gruppi di misure. Queste frasi possono ripetersi per tutta la melodia, come nel canto natalizio "Deck the Halls", dove la prima e la seconda riga usano la stessa sequenza di misure.
- Una struttura comune di una canzone melodica consiste nell'avere una melodia per un verso e una melodia correlata fungere da ritornello o ritornello.
Passaggio 2. Accompagna la melodia con armonia
“Harmony” è l'esecuzione di note al di fuori di quelle della melodia per esaltarne o contrastarne il suono. Come notato in precedenza, molti strumenti a corda in realtà generano più toni quando vengono pizzicati; gli armonici che suonano con il tono fondamentale sono una forma di armonia. L'armonia può essere raggiunta attraverso l'uso di frasi musicali o accordi.
- Le armonie che migliorano il suono della melodia sono chiamate "consonanti". Gli armonici che suonano con il tono fondamentale quando si pizzica la corda di una chitarra sono una forma di armonia consonante.
- Le armonie che contrastano con la melodia sono chiamate "dissonanti". Le armonie dissonanti possono essere create suonando diverse melodie contrastanti contemporaneamente, come quando si canta "Row Row Row Your Boat" come un giro, in cui ogni gruppo inizia a cantare in un momento diverso.
- Molte canzoni usano la dissonanza come un modo per esprimere sentimenti instabili e lavorare gradualmente verso armonie consonanti. Nell'esempio del round di "Row Row Row Your Boat" sopra, quando ogni gruppo finisce di cantare la sua strofa per l'ultima volta, la canzone diventa più calma finché l'ultimo gruppo canta "Life is but a dream".
Passaggio 3. Impilare le note per formare accordi
Un accordo si forma quando vengono suonate tre o più note, di solito contemporaneamente, ma non sempre.
- Gli accordi più comuni sono le triadi (tre note) in cui ogni nota successiva è due note in più rispetto alla nota precedente. In un accordo di C maggiore, le note sono C (la fondamentale dell'accordo), E (la terza maggiore) e G (la quinta). In un accordo di do minore, il mi viene sostituito con un mi bemolle (la terza minore).
- Un altro accordo comunemente usato è l'accordo di settima, in cui viene aggiunta una quarta nota alla triade, la settima nota dalla fondamentale. Un accordo di settima C maggiore aggiunge una nota B alla triade C-E-G per creare la sequenza C-E-G-B. Gli accordi di settima sono più dissonanti delle triadi.
- È possibile utilizzare un accordo diverso per ogni singola nota di una canzone; è così che viene creata l'armonia del quartetto da barbiere. Più comunemente, tuttavia, gli accordi sono abbinati alle note trovate nell'accordo, come suonare un accordo di Do maggiore per accompagnare la nota E in una melodia.
- Molte canzoni vengono suonate con solo tre accordi, quelli le cui note fondamentali sono la prima, la quarta e la quinta nota di una scala. Questi accordi sono rappresentati con i numeri romani I, IV e V. Nella tonalità di Do maggiore, questi accordi sarebbero Do maggiore, Fa maggiore e Sol maggiore. Spesso, un accordo di settima viene sostituito da un accordo di V maggiore o minore, in modo che quando si suona in C maggiore, l'accordo di V sia un settimo di sol maggiore.
- Gli accordi I, IV e V sono correlati tra le chiavi. Mentre l'accordo di Fa maggiore è l'accordo IV nella tonalità di Do maggiore, l'accordo di Do maggiore è l'accordo di V nella tonalità di Fa maggiore. L'accordo di Sol maggiore è l'accordo di V nella tonalità di Do maggiore, ma l'accordo di Do maggiore è l'accordo di IV nella tonalità di Sol maggiore. Questa interrelazione attraversa il resto degli accordi e può essere mappata come un diagramma chiamato circolo delle quinte.
Parte 4 di 4: Tipi di strumenti musicali
Passaggio 1. Percuotere o raschiare uno strumento a percussione per creare musica con esso
Gli strumenti a percussione sono considerati una delle forme più antiche di strumento musicale. La maggior parte viene utilizzata per creare e mantenere il ritmo, anche se alcuni possono suonare la melodia o creare armonie.
- Gli strumenti a percussione che producono il suono facendo vibrare l'intero corpo sono chiamati idiofoni. Questi includono strumenti che vengono colpiti insieme, come piatti e nacchere e quelli che vengono colpiti da qualcos'altro, come tamburi d'acciaio, triangoli e xilofoni.
- Gli strumenti a percussione con una "pelle" o "testa" che vibra quando viene percossa sono chiamati membranofoni. Questi includono tamburi come timpani, tom-tom e bongo, nonché strumenti che attaccano una corda o si attaccano alla membrana che la vibra quando viene tirata o sfregata, come il ruggito del leone o la cuica.
Passaggio 2. Soffia in uno strumento a fiato per creare musica con esso
Gli strumenti a fiato producono il suono vibrando quando vengono soffiati. La maggior parte include fori di tono per cambiare il tono del suono che producono, rendendoli così adatti per suonare melodie e armonie. I legni si dividono in due tipi: flauti, che producono il suono facendo vibrare l'intero corpo dello strumento, e canne ad ancia, che fanno vibrare il materiale posto all'interno dello strumento. Questi sono ulteriormente suddivisi in due sottotipi.
- I flauti aperti producono il suono dividendo un flusso d'aria soffiato sul bordo dello strumento. I flauti da concerto e i flauti di Pan sono tipi di flauto aperto.
- I flauti chiusi convogliano l'aria attraverso un condotto nello strumento per dividerla e far vibrare lo strumento. Il flauto dolce e le canne dell'organo sono tipi di flauto chiuso.
- Gli strumenti ad ancia singola posizionano un'ancia nel bocchino dello strumento. Quando viene soffiata, l'ancia fa vibrare l'aria all'interno dello strumento per produrre il suono. Clarinetti e sassofoni sono esempi di strumenti ad ancia singola. (Sebbene il corpo di un sassofono sia in ottone, è considerato uno strumento a fiato perché utilizza un'ancia per produrre il suo suono.)
- Gli strumenti ad ancia doppia utilizzano due ance di canna legate insieme a un'estremità anziché un'ancia singola. Strumenti come l'oboe e il fagotto mettono l'ancia doppia direttamente tra le labbra del musicista, mentre strumenti come il cornetto e la cornamusa tengono coperte le loro ance doppie.
Passaggio 3. Soffia in uno strumento di ottone con le labbra chiuse per fare musica con esso
A differenza degli strumenti a fiato, che si basano esclusivamente sulla direzione di un flusso d'aria, gli ottoni vibrano insieme alle labbra del musicista per produrre il loro suono. Mentre gli ottoni sono così chiamati perché la maggior parte di loro sono fatti di ottone, sono raggruppati in base alla loro capacità di cambiare il loro suono cambiando la distanza attraverso la quale il flusso d'aria deve percorrere prima di uscire. Questo viene fatto attraverso uno dei due metodi.
- I tromboni usano uno scivolo per cambiare la distanza che il flusso d'aria deve percorrere. Tirando la diapositiva si allunga la distanza, abbassando il tono, mentre spingendola in dentro si accorcia la distanza, alzando il tono.
- Altri ottoni, come la tromba e la tuba, utilizzano una serie di valvole a forma di pistoni o chiavi per estendere o ridurre la lunghezza del flusso d'aria all'interno dello strumento. Queste valvole possono essere premute singolarmente o in combinazione per produrre il suono desiderato.
- Gli strumenti a fiato e gli ottoni sono spesso raggruppati insieme come strumenti a fiato, poiché entrambi devono essere soffiati per fare musica.
Passaggio 4. Fai vibrare le corde di uno strumento a corda per creare musica con esso
Le corde degli strumenti a corda possono essere fatte vibrare in tre modi: pizzicate (come con una chitarra), percosse (come con un salterio o i martelletti azionati a chiave di un pianoforte), o segate (come con l'archetto di un violino o di un violoncello). Gli strumenti a corda possono essere utilizzati sia per l'accompagnamento ritmico che melodico e possono essere suddivisi in tre categorie:
- I liuti sono strumenti a corda con un corpo risonante e un manico, come violini, chitarre e banjo. Sono caratterizzati da corde di uguale lunghezza (tranne la corda bassa su un banjo a cinque corde) e spessore variabile. Le corde più spesse producono un tono basso, mentre le corde sottili producono un tono più alto. Le corde possono essere pizzicate nei punti contrassegnati (tasti) per accorciarle efficacemente e aumentare le loro altezze.
- Le arpe sono strumenti a corda le cui corde sono legate in una cornice. Le arpe hanno tipicamente corde di lunghezza progressivamente più corta disposte verticalmente, con l'estremità inferiore della corda collegata al corpo risonante, o tavola armonica.
- Le cetre sono strumenti a corda montati su un corpo. Le loro corde possono essere strimpellate o pizzicate, come con l'autoharp, o colpite direttamente, come con il dulcimer, o indirettamente, come con il pianoforte.
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Suggerimenti
- Le scale maggiori e minori naturali sono correlate in modo tale che la scala minore di una chiave di due note più bassa della scala maggiore appiattisce o appiattisce le stesse note. Pertanto, le chiavi di Do maggiore e La minore, nessuna delle quali usa diesis o bemolle, condividono la stessa armatura di chiave.
- Alcuni strumenti e combinazioni di strumenti sono associati a determinati tipi di musica. Ad esempio, i quartetti d'archi composti da due violini, una viola e un violoncello sono tipicamente usati per suonare un tipo di musica classica chiamata musica da camera. Le band jazz tipicamente presentavano una sezione ritmica di batteria, pianoforti e possibilmente un contrabbasso o tuba e una sezione di fiati di trombe, tromboni, clarinetti e sassofoni. Può essere divertente suonare alcune canzoni con strumenti diversi da quelli a cui erano destinati, come fa "Weird Al" Yankovic con le sue selezioni di canzoni rock suonate in stile polka sulla fisarmonica.
